Título de la obra:
Solo Arte
Autor:
Juan Guillermo Rivera Berrío
Código JavaScript para el libro: Joel Espinosa Longi, IMATE, UNAM.
Recursos interactivos: DescartesJS, WebSim y Pollinations.ai
Fuentes: Lato y UbuntuMono
Imágenes: Pollinations.ai
Red Educativa Digital Descartes
Córdoba (España)
descartes@proyectodescartes.org
https://proyectodescartes.org
Proyecto iCartesiLibri
https://proyectodescartes.org/iCartesiLibri/index.htm
ISBN: 978-84-10368-19-4
Esta obra está bajo una licencia Creative Commons 4.0 internacional: Reconocimiento-No Comercial-Compartir Igual.
Desde tiempos inmemoriales, el arte ha sido una de las manifestaciones más puras y profundas del espíritu humano. A través de los siglos, diversas civilizaciones han dejado su huella en lienzos, esculturas, calles y pantallas, creando un legado visual que nos conecta con nuestra historia, nuestras emociones y nuestras aspiraciones más profundas.
El libro Solo Arte nace con el objetivo de ofrecer una exploración interactiva y dinámica de las distintas corrientes artísticas que han marcado la historia de la humanidad. Desde los estilos clásicos hasta los movimientos contemporáneos y las propuestas visuales más innovadoras, esta obra proporciona un recorrido enriquecedor a través de diversas técnicas y artistas emblemáticos que han dejado una huella imborrable en el mundo del arte.
Gracias a la sinergia entre la creatividad humana y la inteligencia artificial, Solo Arte se vale de tecnologías como DescartesJS, WebSim y Pollinations.ai para ofrecer una experiencia inmersiva, donde el lector no solo conoce la historia del arte, sino que también interactúa activamente con el contenido.
Esta obra es también un homenaje a la diversidad estilística y a la creatividad sin fronteras. Desde el Renacimiento hasta el arte digital, pasando por movimientos como el impresionismo, el cubismo o el arte pop, Solo Arte invita a descubrir el universo artístico de una forma novedosa y dinámica. La inclusión de artistas de distintas épocas y la fusión de estilos son una invitación a explorar, experimentar y disfrutar del arte en todas sus formas y manifestaciones.
Juan Guillermo Rivera Berrío
Algunas de las imágenes incluidas en este libro han sido generadas por inteligencia artificial con el propósito de ilustrar estilos y conceptos artísticos. Estas representaciones pueden ser similares a las obras de artistas reales, pero no son copias exactas ni intentan replicarlas fielmente. Su objetivo es complementar la experiencia interactiva del libro y facilitar la exploración de distintas corrientes estéticas desde una perspectiva digital.
Por ejemplo, en la siguientes imágenes se observa el "Hombre de Vitruvio" de Leonardo da Vinci, tanto el original, como el generado por la IA Pollinations.ai:
Andreas Wannerstedt es un artista y director artístico afincado en Estocolmo que crea esculturas 3D únicas y fascinantes animaciones en bucle. Las imágenes de Andreas son sofisticadas y extravagantes a la vez, con formas geométricas simples y divertidas en composiciones equilibradas, junto con texturas orgánicas y paletas de colores armonizadas. Sus animaciones perfectamente sincronizadas se han descrito a menudo como "extrañamente satisfactorias", ya que el efecto general evoca una sensación extrañamente hipnótica que hace que el espectador se relaje e incluso medite, ha realizando trabajos por encargo para marcas reconocidas como Google, Omega, Swarovski, Dropbox, Adidas, Ikea, Spotify, Absolut Vodka, Red Bull, Squarespace, etc. Sus animaciones han fascinado a millones de espectadores en todo el mundo.
El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Rafael Sanzio (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Entre los maestros británicos que usaron la acuarela puede citarse incluyendo a van Dyck, Thomas Gainsborough, John Constable, Paul Sandby y Joseph Mallord William Turner, considerado por algunos autores precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. En la pintura española del siglo XX pueden citarse artistas como Julio Quesada, Ceferino Olivé, Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada o Alberto Manrique.
Durero es, al igual que Rembrandt y Francisco de Goya, uno de los escasísimos genios del arte europeo que crearon con igual dedicación pinturas y grabados. De hecho, la producción dureriana grabada y sobre papel (dibujos, acuarelas) es numéricamente muy superior a la pictórica (Wikipedia).
Girl with Balloon (también, Balloon Girl o Girl and Balloon ) es una serie de murales con esténcil realizados en Londres por el artista de grafiti Banksy , que comenzó en 2002. Representan a una niña con la mano extendida hacia un globo rojo en forma de corazón que se lleva el viento. Las ubicaciones de esta obra incluyen murales callejeros en Shoreditch y la orilla sur de Londres en el puente de Waterloo y otros murales estaban por todo Londres, aunque ninguno permanece allí.
Banksy ha utilizado varias veces variantes de este diseño para apoyar campañas sociales: en 2005 sobre el muro de Cisjordania , en 2014 sobre la crisis de refugiados sirios y también sobre las elecciones británicas de 2017. Una encuesta de Samsung de 2017 clasificó a Girl with Balloon como la obra de arte favorita número uno del Reino Unido (Wikipedia).
Everydays: the First 5000 Days es una obra de arte digital creada por Mike Winkelmann, conocido profesionalmente como Beeple. La obra es un collage de 5000 imágenes digitales creadas por Winkelmann para su serie Everydays. Su token no fungible (NFT) se vendió por 69,3 millones de dólares en Christie's en 2021, lo que lo convierte en el token no fungible más caro de la historia.
Everydays fue adquirido por el programador con sede en Singapur Vignesh Sundaresan, un inversor en criptomonedas y fundador del proyecto Metapurse NFT, también conocido en línea por su seudónimo MetaKovan. Sundaresan pagó por la obra de arte usando 42.329 Ether. Tanto el comprador Sundaresan como el vendedor Winkelmann tenían un interés personal en aumentar el precio de la obra, con el fin de atraer la atención e impulsar las ventas de un activo especulativo relacionado con otras veinte obras de Beeple, a las que llamaron "tokens B20". Winkelmann se inspiró en el artista británico Tom Judd y comenzó el proyecto diario el 1 de mayo de 2007. Algunas de las imágenes involucran figuras de la cultura pop, incluidos Jeff Bezos y Donald Trump, y están organizadas cronológicamente. Algunas de las imágenes anteriores están dibujadas a mano y no producidas por computadora (Wikipedia).
Hector Guimard (Lyon, Francia, 10 de marzo de 1867-Nueva York, 20 de mayo de 1942) fue un arquitecto francés, representante principal del Art Nouveau en Francia.
En el paisaje internacional del modernismo, Guimard representa la figura de francotirador aislado: no deja ningún discípulo, ni ninguna escuela, y por eso se intentó durante mucho tiempo considerarlo como un protagonista secundario de este movimiento; una ausencia de posteridad que contrasta con la profusión formal y tipológica extraordinaria de su obra arquitectónica y decorativa, donde el arquitecto da lo mejor de sí mismo en aproximadamente quince años de actividad creativa.
Guimard crea verdaderas composiciones abstractas que se adaptan con la misma facilidad a la vidriera (hotel Mezzara, 1910), al panel de cerámica (casa Coilliot, 1898), al hierro forjado (Castel Henriette, 1899), al papel pintado (Castel Béranger, 1898), o al tejido (Wikipedia).
Andy Warhol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928-Nueva York, 22 de febrero de 1987) fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad (Wikipedia).
Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes (Andy Warhol).
El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués (barrôco), cuyo femenino denominaba a las perlas que tenían formas irregulares (como en castellano el vocablo «barruecas»). Surgió en el contexto de la crítica musical: en 1750, el ensayista francés Noël-Antoine Pluche comparó la forma de tocar de dos violinistas, uno más sereno y otro más extravagante, comentando de este último que «trata a toda costa de sorprender, de llamar la atención, con sonidos desaforados y extravagantes. No parece sino que de esta manera se tratase de bucear en el fondo de los mares para extraer berruecos [baroc en francés] con grandes esfuerzos, mientras en tierra firme sería posible encontrar con mucha más facilidad joyas valiosas». «Barroco» fue en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado.
La Staatliche Bauhaus ('Casa de la Construcción Estatal'), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania).
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fuera arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento de su fundador (Wikipedia).
Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas (Walter Gropius).
Ansel Adams fue un fotógrafo estadounidense, conocido por desarrollar el llamado sistema de zonas junto con Fred Archer. Fue conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos y como autor de numerosos libros sobre fotografía, como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La cámara, El negativo y La copia).
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición (Wikipedia).
Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos (Ansel Adams).
Hanna-Barbera Productions, Inc. fue un estudio de animación estadounidense. La compañía fue fundada en 1957 por los directores del estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer, William Hanna y Joseph Barbera, con la cual se dedicaron a la producción de comerciales de televisión.
Aunque fue uno de los estudios criticados por sus limitadas técnicas de animación, Hanna-Barbera produjo exitosas series como: Tiro Loco McGraw, El Oso Yogui, Don Gato, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo!, los cuales, se convirtieron en iconos de la cultura popular estadounidense. De hecho, las primeras producciones del estudio entre las décadas de 1950 y 1960 fueron revaluadas, siendo relacionadas como una mezcla entre las animaciones teatrales de los estudios de Warner Bros. y UPA.
Georges Prosper Remi fue un historietista belga, más conocido por el seudónimo artístico Hergé, fue el creador de "Las aventuras de Tintín" en 1929, que todavía hoy siguen ejerciendo una importante influencia en el mundo de la historieta, particularmente en Europa.
Los siete primeros episodios de las aventuras de Tintín se publicaron por entregas en Le Petit Vingtième, suplemento del diario belga de orientación católica Le Vingtième Siècle, entre 1929 y 1939 (la publicación de la octava, Tintín en el país del oro negro, quedó interrumpida en 1940 al producirse la invasión alemana de Bélgica, aunque el autor la reanudaría años después). Posteriormente, las aventuras de Tintín aparecieron en otras publicaciones: el diario Le Soir, durante la ocupación alemana de Bélgica, entre 1940 y 1944; y el semanario Tintín, desde 1946 hasta 1976. Todas las aventuras del personaje fueron después recogidas en álbumes independientes y traducidas a numerosos idiomas (Wikipedia).
Cuando Braque presentó algunos de sus cuadros en el Salón de Otoño de 1908, el comité de selección los rechazó y después se burló de semejantes monstruosidades. Matisse, miembro del jurado dijo que “Braque había presentado arte hecho de cubitos”.
Había nacido el cubismo, nombre que quizás complica más la comprensión de un movimiento ya de por sí complicado.
En realidad no hay cubos. Más bien lo contrario. El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende el cubo).
Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas como Braque o Picasso, inspirados por Cezanne, es mirar un objeto desde todos los puntos de vista posibles.
Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y entrelazado.
Por eso el cubismo tiene unos colores tan sobrios. En “Violín y paleta” Braque utiliza ocres y verdes, y el violín, por ejemplo, se ve por tanto desde varios puntos diferentes: desde arriba, desde abajo, y todo a la vez y las transiciones entre planos se hacen mediante variaciones subtonales hacia el oscuro (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Leonardo da Vinci, más que un artista, era un científico interesado en todos los campos del conocimiento humano. Y una de sus grandes pasiones eran los estudios anatómicos del cuerpo humano que fue perfeccionando a lo largo de su vida mediante algunas autopsias de cadáveres (a pesar de que esta práctica estaba prohibida). Se cree que pudo diseccionar unos treinta cadáveres con los que dibujó con detalle y claridad gran parte de los órganos del cuerpo, aún a riesgo de ser acusado de necrofilia.
Inventos suyos son, por citar sólo algunos asombrosos artilugios, el helicóptero, el tanque, el submarino y el automóvil.
Aquí vemos un ejemplo de uno de sus bocetos en papel, donde podemos observar su famosa escritura especular, de izquierda a derecha, de tal modo que las anotaciones sólo pueden ser leídas vistas en un espejo.
Según el artista, estas son las proporciones de una cabeza humana de perfil, y no vamos a ser nosotros quienes cuestionemos tales estudios (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
The Walt Disney Company, también llamado simplemente Disney, es el conglomerado de medios de comunicación y entretenimiento estadounidense más grande del mundo.
Fundada por Walt Disney y Roy O. Disney el 16 de octubre de 1923, el estudio empezaría a competir en 1928 contra Fleischer Studios con los cortometrajes de Mickey Mouse y Silly Symphonies; y en 1930 empezaría la producción de Snow White and the Seven Dwarfs (Blanca Nieves y los siete enanos), que sería estrenada en 1937, la cual tuvo éxito al poco tiempo de fundarse la compañía, con un valor de producción de 1 250 000 dólares. Este largometraje haría que la compañía empezara a tener reconocimiento, hasta el día de hoy.
La película de imagen real de Walt Disney Pictures de 2006 Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto fue el mayor éxito de Disney hasta la fecha y la tercera película más taquillera de la historia, recaudando un poco más de mil millones de dólares en taquilla. Las películas de Disney-Pixar Ratatouille (2007) y WALL·E (2008) fueron un gran éxito, con WALL·E ganando el Oscar a la Mejor Película Animada. El 20 de marzo de 2019, Disney adquirió los activos de 21st Century Fox, lo que la convierte en la mayor adquisición en la historia de Disney (Wikipedia).
Edvard Munch fue un pintor y grabador noruego. Sus evocadoras obras sobre la angustia influyeron profunda- mente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en sus obras fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras.
Edvard Munch sería clasificado como simbolista y como representante temprano del expresionismo, que sería la tendencia artística predominante en la primera mitad del siglo XX. Desde muy joven, en la década de 1880, el artista Munch buscaba expresar sus experiencias emocionales en el arte. Se anticipó al cambio que inundaría la década de 1890 hacia lo subjetivo y lo psicológico. La temática existencial como la angustia, la muerte, el amor, los celos y la melancolía se vuelven fundamentales en su obra (Wikipedia).
Hans Ruedi Giger, también conocido como Hans Rudi Giger, fue un artista gráfico y escultor suizo. Es muy conocido por sus colaboraciones en el mundo del cine, más específicamente en la serie fílmica de Alien.
Giger entró en el cine de la mano de Alejandro Jodorowsky, a quien se lo recomendó Salvador Dalí en Cadaqués en 1973, para el proyecto Dune (1973-1977), en el que también estaba, junto a Jodorowsky y Moebius, el guionista y diseñador Dan O'Bannon, que fue quien incorporó a Giger al proyecto de Alien a principios de 1978.
Desde entonces, 1979, Giger fue conocido entre el gran público por diseñar y desarrollar, junto a Carlo Rambaldi, la criatura y algunos escenarios de la película Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott. Por este trabajo obtuvo en 1980 el Óscar al mejor diseño escénico.
En la obra de Giger podemos encontrar la influencia de artistas de tendencia fantástica, simbólica, expresionista u onírica como Johann Heinrich Füssli, Alfred Kubin, Bruno Schulz o de corte surrealista como Dado, Roland Topor o Salvador Dalí, entre otros. También se ve reflejada la época de posguerra en la que vivió sus primeros años de vida (Wikipedia).
André Derain, quizás el más radical de los fauvistas. En cierto sentido, y pese a la personalidad arrolladora de Matisse, fue el alma de esas «fieras salvajes» que usaban la «forma a través del color». Pero ante todo era un artista libre, por lo que tocó muchas más corrientes pictóricas, incluida las «tradicionales». También fue escultor, ilustrador y escenógrafo (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Imágenes de dominio público, tomadas de WikiArt.
El pictorialismo es un movimiento fotográfico de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial entre finales de los años 1880 y el final de la Primera Guerra Mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no de paint (pintura), razón por la cual resulta erróneo hablar de fotografía pictórica o pictoricista, términos que vendrían a referirse a la fotografía academicista, corriente que sí que se encuentra muy relacionada con la pintura.
Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica de Kodak, que se extiende rápidamente por todo el mundo en tanto no se requerían conocimientos técnicos para su uso. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura. Los fotógrafos del pictorialismo se definen como artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX (Wikipedia).
El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales que la historia del arte consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica (Wikipedia).
La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose (Wikipedia).
Imágenes tomadas de Wikimedia, con licencia CC BY-SA 3.0.
Con un evidente conocimiento de la anatomía y una extraordinaria habilidad técnica, consigue que sus esculturas parezcan vivas, pese a estar hechas de siliconas, fibra de vidrio y acrílico.
Aún así, a Ron Mueck le gusta la teatralidad. Realismo sí, pero con artificio. Se ve en sus proporciones poco convencionales, en sus posturas, en sus escenas surrealistas, en su desbocado sentido del humor…
Ron Mueck nace en Australia. Sus padres eran fabricantes de juguetes, algo que probablemente influiría en su arte. Muy joven consigue entrar en el mundo del espectáculo como marionetista. Trabaja en Barrio Sésamo y Los Teleñecos, donde crea, maneja y pone voz a las marionetas.
De ahí pasa a la publicidad, donde crea sus primeras esculturas hiperrealistas con el objeto de fotografiarlas. Pero pronto siente la necesidad de crear esculturas en su sentido más tradicional (para poder rodearlas y observarlas desde todos los puntos de vista).
El éxito no tarda en llegar. El mundo del arte (que él detesta) no puede evitar rendirse a su pericia técnica. No le gusta el cacareo de los artistas actuales. Le gusta trabajar en su taller y que su obra hable por sí misma (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Maurice Bernard Sendak fue un ilustrador y escritor de literatura infantil estadounidense, hijo de una familia judía de origen polaco, tuvo una infancia enfermiza. Según contó el propio autor, decidió que sería ilustrador por influencia de la película Fantasía, de Walt Disney.
Su obra más conocida es el álbum Donde viven los monstruos, publicado originalmente en 1963 y que sigue siendo un éxito de ventas en todo el mundo. Sus imágenes son de gran riqueza visual y poder narrativo, y la obra tiene numerosas implicaciones, adentrándose en el territorio de la dominación, la libertad, los deseos, la oscuridad, los sueños, los sueños prohibidos y las pesadillas.
Sendak ha realizado incursiones en algunos otros géneros, como la animación televisiva (Really Rosie, 1975), la adaptación teatral de Donde viven los monstruos (1979) o la escenografía del Cascanueces de Chaikovski. A su vez, su obra ha influido en películas como Dentro del laberinto.
En 1970 recibió el premio Hans Christian Andersen de ilustración, y en 2003 el premio Memorial Astrid Lindgren, ex aequo con la escritora austriaca Christine Nöstlinger. En 1964 recibió la medalla Caldecott y en 1983 la medalla Laura Ingalls Wilder (Wikipedia).
Caillebotte no fue solo pintor, también destacó como coleccionista, mecenas y comisario de exposiciones. Heredero de una fortuna familiar, pudo dedicarse plenamente al arte en todos estos ámbitos y ayudando a consagrarse a un movimiento que como sabemos empezó siendo rechazado por el arte oficial y obligado a exponer en salones independientes. Caillebotte financiaría muchas de estas exposiciones, permitiendo al mundo conocer a «artistas renegados» como Renoir o Monet.
Caillebotte empezó siendo realista, muy ligado a la pintura de Courbet y Millet, hasta que conoció a los impresionistas y se enamoró de este nuevo lenguaje pictórico lleno de luz y color. Sin embargo, no renunció a plasmar la realidad tal cual la veía, entrando en contacto en la fotografía, que influenció claramente en su obra, como lo haría en la de su colega y amigo Degás. Sus escenas domésticas tanto en interiores como en exteriores parecen instantáneas, y muchas veces corta la composición tal como una máquina fotográfica. Retrató tanto a la alta burguesía en sus silenciosos momentos de ocio como a la clase obrera en sus labores, algo que desataría numerosas críticas (Miguel Calvo Santos, 27-09-2016, CC BY 4.0).
Rod Hunt, con 30 años de experiencia como ilustrador, ha trabajado para clientes de todo el mundo aportando su voz y perspectiva únicas a sus marcas. Las ilustraciones de Rod suelen ser muy detalladas con capas de humor e interés que crean mundos complejos poblados de pequeños personajes, escenas y sorpresas. Para él es muy importante entretener al espectador, así como informarle, ofreciéndole algo más que ver en repetidas visualizaciones. La narración de historias es una parte importante del proceso.
Sus ilustraciones y planos de mapas se han utilizado para parques temáticos , campus universitarios , festivales de música, parques urbanos , deportes de motor , exposiciones de museos y atracciones turísticas de todo el mundo. Rod también ha ilustrado muchos libros ilustrados de búsqueda y hallazgo, entre ellos 'Top Gear Where's Stig?', que fue el cuarto libro de no ficción de tapa dura más vendido en el Reino Unido en 2009, y fue seguido por dos secuelas exitosas (Rod Hunt).
Rod Hunt es un ilustrador y artista de mapas galardonado que se especializa en ilustraciones detalladas llenas de personajes y mapas isométricos.
Osamu Tezuka fue un mangaka y animador japonés, conocido popularmente en su país como «el dios del manga», debido a que gracias a su obra expandió y difundió masivamente la lectura y el consumo del manga como medio de entretenimiento popular, dando como consecuencia que los mangas llegaran a tener una influencia profunda en la sociedad japonesa de la posguerra. Su nueva manera de desarrollar y crear manga, basada en las técnicas de la cinematografía de la época y de genios de la animación como Walt Disney, replanteó la tradicional realización de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas rígidas y de pocos cuadros con cortas historias autoconclusivas para ser reemplazadas por los llamados story manga, o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada y compleja.
Así, esta nueva técnica permitió que adaptara genialmente las grandes obras maestras de la literatura mundial a la historieta gráfica como hizo con Crimen y castigo, o se inspirara en ellas para crear sus propias aventuras como su primer gran éxito La nueva isla del tesoro. Tal fue el impacto de sus obras que hasta el día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón (Wikipedia).
Donald Clarence Judd fue un artista estadounidense asociado al movimiento minimalista. Su obra se basa en una constante búsqueda por la autonomía y la claridad del objeto construido, resultando en una presentación artística de un espacio sin jerarquía aparente. Judd creó una gran variedad de obras descritas como "efervescentes" con la intención de desafiar el término "minimalista"; sin embargo, continúa siendo considerado el exponente líder del movimiento y el teórico más importante debido a escritos como Specific Objects (Objetos Específicos, 1964).
Durante sus últimos años, Judd trabajó con muebles, diseño y arquitectura. Tuvo cuidado de distinguir su diseño de su arte, escribiendo en 1993:
La configuración y escala del arte no pueden transponerse a los muebles o a la arquitectura. La intención del arte es diferente, el diseño debe ser funcional. Si una silla o un edificio no es funcional, si es sólo arte, es ridículo. El arte de una silla no es arte, es parte de su utilidad... Una obra de arte existe como ella misma, una silla existe sólo como una silla.
Su primer diseño de mobiliario fue en 1973, cuando se mudó de Nueva York a Marfa (Wikipedia).
Emin estudió pintura, pero pronto vio que con eso no se podía vivir bien, más si se carece de talento. ¿Solución? Mostrar sin censura alguna su vida más intima (fotografías personales, paquetes de cigarrillos que llevaba su tío cuando murió decapitado en un accidente de tráfico, camas deshechas, tiendas de campaña con los nombres de la gente con la que se acostó…). Esa es una de las características de Emin: explotar su autobiografía de forma casi pornográfica.
Su vida no fue fácil: violada en la adolescencia, padeció anorexia y alcoholismo, sufrió varios abortos y demás penurias… precisamente eso sirvió de material para su arte: vida y obra nunca estuvieron tan íntimamente relacionadas, o al menos nunca se le hizo tanto caso por parte de la crítica (Fulwood Lampkin, CC BY 4.0).
Un díptico cuyo lado derecho muestra esta delirante escena del Apocalipsis de San Juan. Detalladamente delirante, porque las pinturas de Van Eyck no se sabe si pueden ser observadas a través de un microscopio o de un telescopio.
Dividido horizontalmente, el panel representa, de arriba abajo, el cielo, la tierra y el infierno. Arriba tenemos al protagonista de la película, JC, que en su Segunda Venida está rodeado de ángeles y santos. Más abajo al secundario de lujo san Miguel, el arcángel de armadura dorada que está sobre los hombros de la Muerte, y en el piso de abajo a una multitud de figurantes, los condenados, que caen al infierno y son torturados y comidos por todo tipo de criaturas.
Por supuesto el género de esta superproducción es el terror. Un terror más gore, más bizarro y más perverso que cualquier obra del Bosco o Brueghel, que ya es decir. La fauna de seres malignos que nos presenta aquí van Eyck es probablemente la representación más fiel y acertada de lo que debe ser el infierno (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Sadako Sasaki (Hiroshima; 7 de enero de 1943 - Hiroshima; 25 de octubre de 1955) fue una adolescente japonesa, que tenía dos años cuando quedó expuesta al bombardeo atómico contra civiles realizado por los Estados Unidos el 6 de agosto de 1945 en la ciudad de Hiroshima. Se convirtió en una de las hibakushas más conocidas, término japonés que significa "persona afectada por la bomba atómica". Es recordada por la historia de las mil grullas de origami (senbazuru) y a la fecha es uno de los emblemas sobre las víctimas inocentes de la guerra.
En 1954, Sadako desarrolló una hinchazón en el cuello y detrás de las orejas. Después de su duodécimo cumpleaños, se le diagnosticó leucemia maligna aguda de las glándulas linfáticas. En 1955, Sadako fue admitida como paciente en el hospital de la Cruz Roja de Hiroshima, fue trasladada a una habitación con una compañera de cuarto, quien le contó la leyenda japonesa que promete que a quien pliegue mil grullas de origami se le concederá cualquier deseo. Ella le enseñó a Sadako cómo doblar las grullas de papel. Una versión popular afirma que Sadako solo dobló 644 antes de su muerte, y que sus compañeras de escuela completaron las 1000 y las enterraron con ella (Wikiédia, CC BY 4.0).
Mary Stevenson Cassatt fue una pintora y grabadora estadounidense. Vivió parte de su vida en Francia, donde entabló amistad con Edgar Degas y luego expuso entre los impresionistas. Cassatt a menudo creó imágenes de la vida social y privada de las mujeres. Cassatt admiraba a Degas, cuyos pasteles le habían causado una poderosa impresión cuando los vio en el escaparate de un comerciante de arte en 1875. "Solía ir y pegarme a ese escaparate y absorber todo lo que podía de su arte", recordó más tarde. "Me cambió la vida. Veía el arte como quería verlo" (https://marycassatt.org/, licencia Creative Commons).
Pollock pasó su infancia en Wyoming, Arizona y California. Al final, sabía que si no podía ir a París, un artista debía ir al menos a Nueva York y ahí estudió en el Art Students League, donde conoció la pintura de los muralistas mexicanos, y al Greco, además de desarrollar su carrera paralela: la de alcohólico.
Empezó con obras figurativas, pero al final de los años 30 empezó a interesarse por la pintura abstracta, que le permitió desarrollar su arte a pesar de sus carencias artísticas, al menos para los legos en la materia (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Pixar Animation Studios, conocido como Pixar, es un estudio cinematográfico de animación por computadora subsidiario de Walt Disney Studios y propiedad de The Walt Disney Company. Su origen se remonta a 1979, cuando comenzó a operar como The Graphics Group, la división computacional de Lucasfilm. Casi una década después fue adquirida por Steve Jobs, que invirtió en su capital para establecerla como una empresa independiente de animación. En 1995 Pixar produjo Toy Story, el primer largometraje animado por computadora en la historia del cine. Después de años de colaboración marcados por varias producciones exitosas, Disney adquirió el estudio en 2006.
Su filmografía incluye algunas de las películas animadas más exitosas y elogiadas de todos los tiempos. Su equipo ha recibido premios por sus logros técnicos en el cine de animación. Para sus largometrajes desarrolló el método Pixar Braintrust destinado a la comunicación, supervisión y seguimiento del equipo involucrado en una película. Además de sus producciones cinematográficas, otros productos de Pixar incluyen videojuegos, programas de televisión, software de animación y anuncios comerciales. Las secuelas Los Increíbles 2 (2018) y Toy Story 4 (2019), se hicieron acreedoras a varios reconocimientos y y obtuvieron recaudaciones superiores a los mil millones de dólares cada una (Wikipedia).
El pixel art o arte de píxel es una forma de arte digital, creada a través de un ordenador mediante el uso de programas de edición de gráficos rasterizados, donde las imágenes son editadas al nivel del píxel. Las imágenes de la mayor parte de los antiguos videojuegos para PC y videoconsolass son consideradas obras de pixel art. Posee similitudes con el puntillismo, difiriendo principalmente en las herramientas para la creación de las imágenes.
Existen algunas herramientas de IA, para generar imágenes con estilo pixel art; entre ellas, DeepAI, o pollinations.ai (haz clic en la imagen para probarla).
William Gale "Will" Vinton fue un director estadounidense de cine de animación y productor cinematográfico de películas animadas. Ganó un premio Óscar y varios premios Emmy por su trabajo de animación con plastilina o también llamado al término que él inventó (Claymation)
En 1970, Vinton realizó en el sótano de la casa una prueba rápida 1/2-minutos de película de animación con plastilina que realizó en una cámara de 16mm la Bolex Rex-5. Tal prueba la completó a principios de 1973. El cortometraje en 16mm duraba unos 8 minutos al que llamó Closed Mondays (Cerrado los Lunes), que trataba acerca de un borracho que tropieza en un museo de arte e interactúa con las pinturas y esculturas. Sorprendió a los jueces del festival de cine de todo el mundo. El cortometraje ganó un Oscar al mejor cortometraje de animación en la primavera de 1975.
Más tarde produjo la aclamada trilogía de 27 minutos (Los cuentos de hadas) a principios de los 80: Martin the Cobbler (1977), Rip Van Winkle (1978), (nominada a un Premio de la Academia), y The Little Prince (1979), el trío de las películas fue puesta a la venta para el público en video como El Principito y amigos (Wikipedia).
Johannes Vermeer fue el pintor de lo tranquilo, lo silencioso, lo cotidiano, lo iluminado… Junto a Rembrandt es sin duda la gran figura del barroco holandés1
Johannes Vermeer fue el pintor de lo tranquilo, lo silencioso, lo cotidiano, lo iluminado… Junto a Rembrandt es sin duda la gran figura del barroco holandés.
Con once hijos y marchante de arte, se cree que no vivió de la pintura. Quizás por ello sus obras transmiten ese puro placer de pintar. Suelen ser escenas de la vida cotidiana, interiores de hogares de la burguesía holandesa, y apenas habitados con una o dos figuras y algunos objetos.
Todo ello plasmado con sus habituales pinceladas densas y pastosas y sobre todo llenándolo todo con una iluminación, que no solo da un increíble realismo sino que realza el efecto de intimidad e incluso misterio.
Se le acusó siempre de usar una cámara oscura, como si los otros grandes del arte no utilizaran todo tipo de artilugios y técnicas para llegar a rascar un poco la belleza (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Piero fue un artista italiano del Renacimiento cuyas pinturas y frescos se caracterizan por la solidez de sus figuras, la vivacidad de los colores y la armonía de la composición. Sus obras maestras incluyen la Flagelación de Cristo, una tabla pintada que fue creada alrededor de 1455 para el Palacio ducal de Urbino; y el imponente retrato de su principal mecenas el duque de Urbino, Federico da Montefeltro (1422-1482). Habiéndose interesado particularmente en la perspectiva y en las proporciones, Piero della Francesca influenciaría el trabajo de sus propios discípulos, como lo fue Piero Perugino (c. 1450-1528), y más tarde también, el arte del Renacimiento en general (Enciclopedia de la Historia del Mundo).
Fragonard, siempre tan comprometido socialmente, nos retrata la vida de los más desfavorecidos en esa época. Dos franceses con peluca están columpiando a una exuberante cortesana. Uno de ellos se acuesta entre la naturaleza para ver si puede ver algo bajo esas faldas tan rococó que producen empalago. Todo es excesivo, todo es tan frívolo que hasta los cupidos de las estatuas se sonrojan. Uno de ellos incluso pide un poco de silencio y mesura con un dedo en los labios.
La escena describe algo tan común entre esta gente de alta alcurnia como eran los matrimonios de conveniencia, en la que tener amantes eran casi una obligación.
Los felices azares del columpio, el título original de esta barrabasada pictórica, se convirtió en nada menos que en el símbolo de una época tan decadente que no tardaría en rodar cabezas, literalmente. Una época en la que el adulterio y el pecado eran vistos casi como una de las bellas artes. Perseguir cortesanas, jugar al escondite o columpiarse arriba y abajo, adentro y afuera, mientras se escuchaban los ecos de las risillas picarescas en los bosques y jardines eran el deporte nacional de la nobleza francesa de esos años de colores pastel (Fulwood Lampkin, CC BY 4.0).
Eugene Delacroix fue junto a Gericault el gran pintor romántico francés. Quizás el artista más emblemático del movimiento aparecido en el primer tercio del XIX. Un pelín adelantado a su tiempo, la influencia de sus estilo se nota en el posterior impresionismo, sobre todo por su audacia y maestría en la utilización del color.
El neoclasicismo, con su solemnidad y serenidad, era el modelo a seguir, pero Delacroix se sintió fascinado por las ruinas medievales, la libertad de la obra de Goya y los clásicos barrocos como Rubens, Velázquez o Rembrandt. En su interior, sintió que el arte no tenía porqué ser tan racional, y se encendió un deseo de hallar la realidad tras las apariencias.
En su obra se mezcla la fantasía, lo macabro y lo erótico, parece valorar más los sentimientos y emociones que los ideales, algo que junto a sus temáticas y el exotismo y misterio que desprenden muchos de sus cuadros lo convierten en el paradigma de pintor romántico, influyendo notablemente en todo el movimiento a nivel europeo e internacional. Amigo de los intelectuales de la época como Baudelaire o Victor Hugo, melómano empedernido, no frecuentó apenas a otros artistas de la época. Único en ese sentido, sólo se interesó por artistas ya muertos, el más reciente de todos, Gericault, una especie de maestro para él (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Pintora y escritora inglesa, nacida en el seno de una familia acomodada. Debido a su comportamiento siempre rebelde, fue expulsada varias veces de los internados religiosos donde estudiaba acusada de excéntrica a causa de alguna deficiencia mental. A los 19 años, Leonora se fuga a París con el pintor Marx Ernst, que era 26 años mayor que ella. Por supuesto fue repudiada por el padre y el resto de la familia se avergonzaba de ella.
En París entra en contacto con en el movimiento surrealista e intercambia ideas con personajes como André Bretón, Joan Miró, Picasso e incluso con Salvador Dalí.
En 1940 Marx Ernst es capturado y enviado a una campo de concentración, por lo que Leonora Carrington se ve obligada a huir de Francia, asustada y con graves crisis nerviosas consigue llegar a España pero, debido a una gestión de su padre en confabulación con la policía inglesa, al llegar a España es obligada a ser internada en un hospital psiquiátrico de Santander donde la diagnosticaron como «irremediablemente loca». (Lina Poveda, CC BY 4.0).
Max Ernst fue un artista alemán nacionalizado francés considerado figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable, utilizando una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.
En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.
En 1939, después de haber tenido una relación sentimental con su alumna Leonora Carrington, sufrió arresto durante unas semanas en el inicio de la Segunda Guerra Mundial al ser considerado por las autoridades francesas «extranjero enemigo» (Wikipedia, CCO).
Hokusai fue uno de los artistas más prestigiosos de Japón y desde luego el artista japonés más internacional. Sus dibujos, llegados a París a mediados del siglo XIX, fascinaron e influyeron en todos los impresionistas, de Monet a Van Gogh.
Artista de una humildad legendaria, se consideró siempre «un simple aprendiz» y firmó sus obras con distintos nombres, como «Shunro», «Sori», «Kako», «Taito», «Gakyonjin», «Iitsu» y «Manji». Muy trabajador, se levantaba temprano y pintaba hasta la noche, dibujando hasta el último día de su vida (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
El estilo retro (también conocido como "inspirado por lo vintage") es un estilo que deriva conscientemente o imita tendencias, música, modas o actitudes del pasado.
El término retro se ha usado desde la década de 1960 para describir, de una parte, nuevos artefactos que conscientemente refieren a unos particulares modos, motivos, técnicas y materiales del pasado. Pero de otra parte, muchas personas usan el término para categorizar estilos que se han creado en el pasado. A diferencia del historicismo de las generaciones Románticas, es principalmente el pasado reciente donde el retro busca recapitular, centrándose en los productos, modas y estilos artísticos producidos desde la Revolución Industrial, los sucesivos estilos de la Modernidad (Wikipedia).
La obsesión de Botero por pintar gente gorda hace que las figuras de Rubens parezcan modelos anoréxicas. Todos sus personajes, incluídos Jesucristo o la Gioconda tienen siempre unas tallas de más.
Aquí pinta un tugurio colombiano con colillas y frutas en el suelo, donde una orquesta toca música animada. El rojo en el ambiente es el protagonista y las figuras llenan casi todo el cuadro. Por supuesto, todo el mundo tiene “peso”. Una pareja pequeñita (pero gorda) baila animadamente al son de la enorme orquesta. Pese a su volumen bailan grácil y elegantemente.
La pareja disfruta pero los músicos parecen inexpresivos. Sus instrumentos son igual de regordetes que los personajes. Por cierto, es extraño que los de cuerda no tienen cuerdas… (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Ya sea por la delicadeza con la que la diosa parece emerger de las profundidades, por el soplo acelerado de Eolo, o por la manta con la que la ninfa se apresura a cubrirla, siempre hay un toque de viento que hace que las figuras se eleven, como si estuviesen a punto de emprender vuelo.
No deja de sorprender el contraposto de Venus: la delicadeza con la que las caderas se ladean hacia la derecha reafirma su feminidad de marfil, y la soltura de la cabellera encendida acentúa la ligereza candente con la que la diosa del amor extiende su influencia (Andrea Fischer, CC BY 4.0).
Santiago Calatrava Valls es un arquitecto, ingeniero civil y escultor español. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 1999, los premios Nacional de Arquitectura y Nacional de Ingeniería Civil, ambos en 2005 y el Premio Europeo de Arquitectura de 2015. Actualmente, cuenta con oficinas en Nueva York, Doha y Zúrich (Wikipedia). A continuación, presentamos algunas de sus obras.
El ojo debe comprender, reunir las cosas”, dijo Cézanne, “El cerebro le dará forma”.
En una naturaleza muerta, el artista es Dios. Crea cada objeto, cada perspectiva, cada punto de vista y los compone a su gusto. Cézanne realizó cientos de naturalezas muertas y pintó cientos de veces los mismos objetos que tenía en su estudio.
Esta mesa que veis en la imagen, por ejemplo, esta tela estampada, esta jarra… Son motivos recurrentes en el artista. Ya los vimos muchas veces, pero en cada cuadro son absolutamente diferentes, con un nueva exploración de las formas y sus relaciones.
Aquí Cézanne pinta en principio un bodegón de lo más tradicional ¿Verdad? Mentira. En realidad Cézanne pinta las cosas desde dos perspectivas distintas: una al nivel de los ojos, otra desde más arriba. Si este cuadro fuera real, la fruta caería rodando por la mesa inclinada.
Pintaba meticulosamente, tardaba días, y cada día movía el caballete y pintaba las cosas desde otro punto de vista. Y en realidad, es así como vemos: “con dos ojos”. Cézanne sabía que la combinación al mirar algo desde más de un ángulo para unificar la composición lleva a un aplanamiento de la imagen (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Estamos acostumbrados a valorar obras posteriores de Caravaggio, cuando alcanzó la fama, tenía mayor experiencia y ya se le conocía como un personaje problemático que actuaba de forma violenta y rebelde, mezclándose con la peor calaña de la ciudad de Roma.
Esta es una de sus pinturas tempranas, en la que pinta a un hermoso joven sujetando un cesto lleno de frutas, una obra de carácter más alegre después de su Baco enfermo. Se le han dado diferentes interpretaciones: para algunos es una simple obra de género, una excusa en la que Caravaggio puede demostrar su talento a la hora de pintar las hojas y frutas, cargadas de naturalismo, en el cesto de un vendedor adolescente de mirada dulce (Laura Cabrera Guerrero, CC BY 4.0).
Las novedades de la obra pictórica de Caravaggio inspiraron la pintura del Barroco, pero este estilo incorporó el drama de sus claroscuros sin el realismo psicológico. Con la evolución estilística y los cambios de modas, Caravaggio dejó de ser tendencia. El interés por su obra resurgió en el siglo XX, cuando se reconoció su importancia en el desarrollo del arte occidental. André Berne-Joffroy, historiador del arte, afirmó que «Lo que comienza con la obra de Caravaggio es, simplemente, la pintura moderna» (Wikipedia, CC BY-SA 4.0).
Marc Chagall nació en 1887 en el seno de una familia judía cerca de Vitebsk, hoy Bielorrusia, fue uno de los artistas más inclasificables de los primeros años del siglo XX. Evidentemente su obra tiene mucho de surrealismo, pero su personalísimo uso del color y las formas lo vinculan al expresionismo ruso y al cubismo que descubrió en Francia, país que lo adoptaría.
Chagall es pues, uno de esos artistas difíciles de ubicar en un estilo concreto, aunque son visibles (por no decir explícitas) sus influencias, que él mezcla natural y elegantemente.
El artista nace en una aldea bielorrusa, pero cuando descubre su vocación siente la necesidad de viajar a París, donde entra en contacto con las primeras vanguardias. Regresa a Rusia y participa activamente en la Revolución Rusa pero acaba volviendo a París, donde se reúne con otros artistas emigrados judíos como Modigliani.
Su obra fluctúa entre realidad y fantasía, entre los símbolos del folclore popular ruso y el subconsciente. La infancia es la fuente de la que bebe y su obra está teñida de melancolía y recuerdos de su niñez, cuando era realmente feliz(Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Se puede pensar que la obra de Aoshima surge de algún lugar entre la realidad inocente y un mundo de sueños retorcidos. Aoshima afirma que "mi obra se siente como hebras de mis pensamientos que han volado alrededor del universo antes de volver a materializarse". Chiho ha dicho que el pintor y grabador de ukiyo-e Hokusai ha tenido una gran influencia en la forma en que aborda sus representaciones artísticas. Al igual que las composiciones tradicionales de ukiyo-e, sus temas están dibujados con una línea plana bien definida y se colocan en un solo plano de profundidad. Los principios del ukiyo-e también juegan una gran influencia en su principio de estilo general conocido como superflat (Wikipedia).
El mítico cuadro de relojes blandos de Dalí es, al contrario de lo que muchos piensan, un lienzo bastante pequeño, pero no deja de ser fascinante y es una de las estrellas del MoMA de Nueva York.
Un simple paisaje marino en el que hay una escena insólita: una extraña criatura durmiendo o quizás inerte sobre la arena (hay quien ve un autorretrato del pintor) y unos relojes que se derriten sobre ella y sobre otros elementos del cuadro. Sabemos que Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo (Emilia Bolaño, CC BY 4.0).
En ese histórico año de la primera exposición impresionista, Degas realizó esta obra en la que manda a la mierda toda norma académica aprendida y copia directamente las pautas compositivas de lo más moderno y excitante que se podía ver esa época: los grabados japoneses.
Como los maestros japoneses del Ukiyo-e, Degas eleva un poco el punto de vista, y de este modo el pintor consigue escorzos tan exagerados como expresivos. Además a Degas se le da por cortar por los bordes a quien se ponga por delante, como pasaría en una fotografía.
Y como en uno de esos maravillosos grabados que llegaron a Europa desde oriente gracias a las exposiciones universales, el artista construye este cuadro por medio de una pronunciada diagonal, del extremo inferior izquierdo al superior derecho.
Con ello el impresionista enamorado del ballet nos transmite dinamismo y fugacidad, como un instante congelado en el tiempo de gente moviéndose de forma armoniosa, espontánea y en cierto modo anodina, como en un momento de breve descanso tras el extenuante ensayo que está imponiendo el exigente profesor de baile. Los que hayáis pasado por el espectacular museo del Orsay en París veréis que este cuadro tiene un gemelo y ambos son muy similares. (Emilia Bolaño, CC BY 4.0).
Durero fue una extraordinaria paradoja: aunque pintó este óleo en Alemania, el paisaje exterior y la elección de una media figura delatan una influencia italiana; el renacimiento nórdico ha untado la piel del individuo de un singular bronceado; el cabello largo y flamenco contrasta con el ropaje propio del estatus que los artistas poseían en el sur de Europa; la búsqueda de ideales de la filosofía alemana se alía con la presunción y la vanidad de la identidad mediterránea.
El tamaño del cuadro no es un detalle que debamos pasar por alto porque esconde otra paradoja. Es el más pequeño de los autorretratos de un hombre que tenía un altísimo concepto de sí mismo (llegó a utilizarse como modelo de Jesucristo) y probablemente responda a las dimensiones del espejo empleado para plasmarse, entre ensimismado e interrogativo, en la confusa estancia.
Nos preguntamos si Durero era aquí consciente de sus capacidades. Volvamos de nuevo a los ojos, que ya no nos parecen tan claros. El retrato espira esa conciencia: el artista casi no cabe en la estancia en la que ha sido encajado. Hasta el texto bajo la ventana nos da una pista: 1498 / Esto lo pinté según mi imagen. Debajo de una mirada limpia, que se ha esforzado en eliminar todo rastro de altivez, descansa un artista que acaba de dar el salto del aprendizaje a la maestría (Daniel Jándula, CC BY 4.0).
El Bosco nos presenta una de sus más maravillosas creaciones: El jardín de las delicias. Una pieza, que supone haber sido realizada como regalo de bodas para la corona y por lo tanto con intenciones relativamente privadas, que terminará por convertirse en uno de los más queridos tesoros de Felipe II.
Para su análisis recomendamos lupa en mano ya que podremos dividir esta tabla, literalmente, en varias partes. La tabla central ¿Cómo se vería una multitudinaria fiesta al aire libre en donde las únicas condiciones para el ingreso serían deshacerse de la ropa, de la ética y de la moral? Bueno, exactamente esto que vemos aquí. La gran pieza central del tríptico nos muestra cómo era la vida antes del Diluvio Universal. En esta tabla, arquitecturas sin tiempo como fuentes de agua nos enseñan que el cauce de los ríos comienza a crecer por toda la escena (ver una descripción más amplia en Noel Rondina, CC BY 4.0).
El Greco, pintor griego que acabó siendo español y mezcló estilos de muchos otros países y culturas para crear una personalísima pintura,
sin duda adelantada a su tiempo, que rezuma misticismo, expresión y sentimiento. y que todavía hoy posee un desconcertante efecto en el espectador. Por ello se considera un precursor de muchos movimientos del arte contem- poráneo, como el expresionismo.
La Trinidad fue uno de los primeros encargos que recibió el Greco al llegar a España y estaba destinada a ocupar la parte superior del retablo del convento de Santo Domingo el Antiguo en Toledo. Como debía verse a bastante altura, El Greco apuesta por la monumentalidad de la figuras, con una perspectiva arriesgada pero acorde al punto de vista del espectador y otorga un sentido escultórico a las personajes.
Esta representación de Cristo muerto sostenido parcialmente por Dios Padre sentado en un trono de nubes, acompañado del Espíritu Santo y rodeado de ángeles, nos permite entender cómo era la pintura del Greco durante su primera etapa en Toledo (Lina Poveda, CC BY 4.0).
Magdalena Frida Carmen Kahlo y Calderón, conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira temáticamente en torno a las vivencias de su vida personal. Realizó un total de 150 obras, principalmente autorre- tratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. También es considerada como un icono pop de la cultura de México.
Su vida estuvo marcada por un grave accidente de autobús en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional. La obra de Frida y la de su marido, el pintor Diego Rivera, se influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo posrevolucionario.
En 1939, sus pinturas fueron expuestas en Francia tras haber recibido una invitación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas». Sin embargo, Frida no veía su arte reflejado en esta tendencia ya que ella consideraba que no pintaba sueños, sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre (Wikipedia)
Gauguin emigró a Tahití un 1 de abril de 1891 buscando la utopía de la felicidad en una civilización primitiva que no estuviese contaminada por los vicios y la decadencia de occidente. Pero al llegar, se llevó un pequeño chasco. Tahití estaba muy occidentalizada ya a causa del colonialismo y las misiones católicas.
Aún así, se va a un lugar remoto, a unos 45 km de la capital, y empieza a vivir como un hippie autosuficiente en una choza de bambú con tubos de pintura como único «lujo» occidental. Pasea por la playa, pinta de vez en cuando y sobre todo se dedica a hacer el vago, que como podemos intuir, es la fuente de toda felicidad (si no somos felices en nuestros trabajos, claro).
Las pinturas que realizó en la época muestran su vida cuasi-idílica ahí, y retrató a las mujeres de la zona con sus hábitos y costumbres, aunque en el caso de este cuadro podemos ver como Gauguin pretende mostrar esas dos corrientes: una vestida puramente a la moda Polinesia (la mujer de la izquierda) y otra más occidentalizada (con el vestido rosa). Una está relajada en la playa, la otra trabajando (parece trenzar unas hojas para hacer una cesta), una abierta a la naturaleza, otra sentada con una enigmática mirada de difícil interpretación, como las caras de un moái o un tiki (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Manuel Godoy era el tipo que gobernaba bajo el reinado de Carlos IV. Su figura sería muy vilipendiada a lo largo de la historia, pero tuvo tanto luces como sombras que por supuesto nunca pondrán de acuerdo a los historiadores del país. Lo que sí se sabe de Godoy es que tenía una afición muy conocida: su gusto por el arte erótico. Tenía un gabinete privado en su casa que albergaba todo tipo de pinturas, esculturas y demás artefactos para estimular la líbido. Godoy era asimismo un experto en arte, por lo que sabía muy bien quien era en esos momentos el pintor número 1 de España: Francisco de Goya.
De modo que Godoy le encargó a Goya un desnudo al estilo de Venus recostada. Salta a la vista que es mucho más humana que diosa, y ahí está precisamente su encanto. La prueba principal de esto es la representación (por primera vez en la historia del arte) del vello púbico femenino, inimaginable en una pintura tradicional de desnudo mitológico. Ahí tenemos la sutil pelambrera, en el mismo centro compositivo del cuadro (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Ruso, alemán y después francés, el pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y práctico) del arte abstracto, es decir, este arte en el que la representación del objeto es secundaria e incluso perjudicial: la belleza del arte reside en la riqueza cromática y la simplificación formal. Es la representación de lo esencial del arte, no una burda imitación de la naturaleza, que es de por si insuperable.
Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Como buen aficionado al arte de principios del siglo XX, le interesaban las culturas primitivas y las manifestaciones artísticas populares rusas.
A los 30 años lo abandonó todo para estudiar pintura en Munich, y viajó por numerosos países para descubrir colores, formas y formas de representación alejadas de la mímesis tradicional.
Poco a poco, su experimentación continuada culmina en torno a 1910, entregándose a la pura abstracción. Un poco de la libertad cromática de los fauvistas, el impulso personal del artista típico de los expresionistas y una espiritualidad que robaba tanto de las matemáticas como de la música. Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó obras de tres categorías: las impresiones (inspiradas en la naturaleza), las improvisaciones y las composiciones (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Leonardo da Vinci, el homo universalis, el sabio renacentista, el artista versado en todos los ámbitos del conocimiento humano.
No sólo era artista, también fue una eminencia en aerodinámica, cocina, hidráulica, anatomía, poesía, botánica. Y por supuesto, por lo que lo conocemos hoy: por su pintura, escultura y arquitectura. Gracias a ello forma parte, junto a Miguel Ángel y Rafael, de la santísima trinidad del arte renacentista.
Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo de una campesina y un notario, que tendría 11 hijos en total. Su insaciable curiosidad se manifestó de niño: ya dibujaba animales mitológicos,
híbridos entre realidad y fantasía. 1ª leyenda: Su padre entró en casa y se asustó al ver una medusa con serpientes en la cabeza. Era un dibujo.
Leonardo perfeccionó en el taller de Verrocchio pintura, escultura y demás artes. No tardó en superar a su maestro. Pronto se interesó en una nueva técnica llegada de los Países Bajos: la pintura al óleo. Con ella innovó en composición y claroscuro. Hoy es considerado uno de los artistas más grandes de la historia del arte.(Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Fue un escándalo. Una mujer desnuda sentada en la hierba con dos tipos vestidos. Un picnic burgués en el parque que los sensibles miembros de la academia repudiaron como si fuera algo de otro planeta. Y además pintado en un lienzo enorme, de esos reservados a grandes temas… ¡Ultraje!
La mujer desnuda, la modelo Victorine Meurent, nos mira directamente. Los hombres, vestidos como dandis conversan entre ellos. Es todo como muy casual, como si fuera algo habitual. Por el suelo están las ropas de la mujer y un bodegón con frutas y pan. Manet mezcla géneros y no parece tener respeto por el arte tradicional.
Otro escándalo: Fijaos en dos animales (un poco difíciles de ver): el pájaro, reservado tradicionalmente a la pintura religiosa evocando al espíritu santo, y la rana, ya que “grenouille” (rana) hace referencia a las demi-monde parisinas, mujeres libres, independientes y de fiesta todo el día y toda la noche.
Al fondo hay una mujer medio vestida en el río. Algo que también criticó la academia es el excesivo tamaño de esta figura en comparación con las del primer plano, como si fuera un error del pintor. Para nada: Manet hizo esto muy conscientemente y lo hizo para modernizar un poco la clásica perspectiva aérea (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
El gran artista del siglo XX junto a Picasso. Su revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó una de las primeras vanguardias, el fauvismo, del que acabaría evolucionando hacia un arte personal e inclasificable.
Su infancia fue poco inspiradora: «En mi pueblo si había un árbol en el camino lo arrancaban, porque arrojaba sombra a cuatro plantas de remolacha». Su padre le llegó a pegar un par de palizas cuando lo sorprendía dibujando «tonterías».
Así que el joven Matisse se marchó a París y se licenció en Derecho, llegando a trabajar brevemente como abogado, pero en 1889 le entró «la fiebre» de estudiar arte. «¡Te vas a morir de hambre!, ¿Me oyes, Henri…? ¡Es una carrera para vagabundos…!», gritó su padre.
El hombre ni se imaginó que su hijo sería uno de los artistas más ricos y apreciados de Francia.
Una vez infectado del arte, Matisse se formó con pintores como Bouguereau y Moreau, pero al conocer a los jóvenes que pintaban sin seguir reglas (Derain, Vlaminck…), se internó en un nuevo y desconocido lenguaje pictórico basado en el uso libre del color, el vigor expresivo y el rechazo a ser una mera imitación de la naturaleza. El crítico Louis Vauxcelles les denominó despectivamente fauves (salvajes), nombre que adoptaron con orgullo (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos. En 1497 recibió del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas el encargo de una Piedad, la originalidad con la que trató esta pieza se nota en la ruptura con el dramatismo con el que hasta entonces se trataba esta iconografía (Wikipedia).
Una de las pinturas que forman parte de la serie «Constelaciones» pintada por Miró entre 1939 y 1941.
En esta serie de 23 pinturas vemos el característico estilo naif de Miró, con el que el artista busca adentrase en lo más profundo del subconsciente humano y nos ofrece su particular visión de la realidad plagada de símbolos y colores.
Esta constelación representa exactamente lo que dice su título: un cielo estrellado con sus respectivas constelaciones, símbolos variados que forman una especie de laberinto formado por líneas negras y salpicado por colores primarios, los famosos pájaros de Miró (¿no los veis? Pues están ahí) y por supuesto la mujer, siempre tratada por Miró como un ente creador y protector.
Muchos ven aquí un elemento de evasión y huida, pues la realidad de 1941 no era de lo más confortable en Europa. Según el nieto del artista, Miró tenía que escapar de alguna manera de las barbaridades que se estaban cometiendo durante la 2ª Guerra Mundial, y lo único que pudo conseguir fue escapar por medio de su arte, y mirando al firmamento (Emilia Bolaño, CC BY 4.0).
Monet fue la figura clave del movimiento impresionista. De hecho fue un cuadro suyo el que puso nombre al movimiento. Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero como bien sabemos, se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo.
Dibujante de caricaturas desde niño, ya pintaba paisajes y marinas, algo que le agradaba al poder trabajar al aire libre. Con 19 años viaja a París para empezar sus estudios, siendo financiado por su familia. Pero cuando Monet es llamado para el servicio militar (de 7 años) estos no quieren pagar el reemplazo a no ser que deje ese horrible oficio, por lo que Monet se tiene que ir a Argelia.
En sus últimas obras (nenúfares), la forma está ya prácticamente disuelta en manchas de color. Muchos historiadores de arte afirman que al sufrir Monet de cataratas, el artista veía cada vez más tras un filtro borroso y amarillento. De hecho, tras ser operado, volvió una temporada a su estilo anterior (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Cuando invadieron París, los nazis visitaban de vez en cuando el estudio de Picasso para ver si podía delatar a algún artista judío. Este sólo sonreía y les daba una postal con la reproducción de su Guernica. En una ocasión, un embajador nazi cogió la tarjeta y le preguntó con desprecio: ¿Ha hecho usted esto, Monsieur Picasso…?. No —respondió el pintor— lo han hecho ustedes…
La Luftwaffe había bombardeado durante horas la indefensa ciudad de Guernica en 1937, que quedó arrasada dejando sólo escombros. Un bombardeo indiscriminado contra la población civil que marcaría el inicio de las atrocidades típicas de las guerras del siglo XX.
Tras esto, Picasso se sintió obligado a documentar el hecho para las generaciones venideras y pintó la obra para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de ese mismo año. El resultado fue un enorme lienzo de casi 4 metros de alto por más de 8 de ancho que es hoy la ilustración perfecta de los desastres de la guerra, tomando la herencia del arte-denuncia de Goya (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Uno de los frescos más conocidos de la historia del arte y quizás la obra más ambiciosa de Rafael, que quiso representar nada menos que los orígenes del pensamiento occidental, que como todos sabemos nació en la Antigua Grecia. El artista pinta al dream team de filósofos clásicos y lo hace poniéndoles rostros de artistas contemporáneos. Así por ejemplo, en el centro tenemos a Platón (pintado como Leonardo) y Aristóteles, las dos principales ramas de la filosofía.
Después por ahí desperdigados están Heráclito (con los rasgos de Miguel Ángel), Euclides (como Bramante), Protógenes (retratado como su amigo El Sodoma), Hipatia (su novia Margherita) y Apeles (autorretrato del propio Rafael) (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Rembrandt van Rijn es el artista más grande de los Paises Bajos. Su figura trasciende la historia del arte para situarse en uno de los nombres más importantes en la historia de la civilización occidental.
Maestro barroco, fue la figura central de la edad de oro holandesa, cuando el país era una de las mayores potencias internacionales. Su pintura fue excepcional (es especial sus retratosy autorretratos), su actitud humilde y su conocimiento del ser humano muy acertado, por lo que es uno de los artistas que producen mayor empatía entre sus colegas y sus estudiosos.
Nacido en una familia acomodada, pudo cuidar su educación y conseguir un amplio conocimiento de la pintura italiana. Con 19 años ya tuvo su propio taller y una nutrida clientela. Fue en esa época cuando se adentró en el claroscuro de moda. Poco a poco se convirtió en uno de los artistas que mejor manejaba este concepto y su obra cobró una fuerza y una personalidad arrolladoras.
También fue un importante marchante de arte y vivió en esos años una época de prosperidad económica, pero al final de sus días los reveses económicos lo obligaron a subastar todas sus pertenencias (casa, pertenencias, colecciones de arte…). Sólo su criada Hendrickje Stoffels, con la que mantuvo una relación sentimental, le sirvió de consuelo en su vejez (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Pierre-Auguste Renoir fue uno de los pintores del grupo impresionista, centrado a diferencia de la mayoría de sus colegas paisajistas, en la figura humana. En concreto, la figura humana femenina. Y más en concreto aún, en la figura humana femenina desnuda. Aunque cierto es que ubicaba estos desnudos en paisajes, y eso da como resultado un impresionismo ornamental, sensual, hedonista.
De hecho, Renoir gustaba del rococó y su rollo picarón y hedonista. Siguió siempre la tradición, adaptándola a los nuevos tiempos de pinceladas sueltas y pintores barbudos y nunca dejó de pintar la alegría de vivir, siempre diversión, siempre fiesta. Renoir bebió también de las fuentes de Rubens y sobre todo Corot.
Aprobó el ingreso a Bellas Artes y sacó todo sobresalientes en la escuela. Ahí conoció a los que serían compañeros de profesión y movimiento: Claude Monet, Frédéric Bazille y Alfred Sisley.… a menudo iban a pintar juntos al aire libres.
Al final, vivió una vida feliz y exitosa. Sus hijos fueron también grandes artistas y su arte es hoy tan valorado como buscado por los carroñeros actuales, esos con mucho dinero y poco gusto (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Diego Rivera fue uno de los grandes muralistas latinoamericanos del Siglo XX. La cultura mexicana siempre estuvo presente en su obra, incluso cuando se «contamina» de Europa en sus viajes al París de las vanguardias.
Su obra influyó a cientos de artistas y su vida sigue fascinando hoy por su irreverencia en lo político, su legendario hedonismo y un inexplicable atractivo para las mujeres. Quizás, la mujer de su vida fue Frida Khalo, con la que se casó (2 veces).
Su verdadero nombre era Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez. Muy joven viaja a París, entrando en contacto con la vanguardia y artistas como Pablo Picasso o Paul Cézanne, que lo introducen en el cubismo.
Su obra, de enorme eclecticismo, chupó de todo el arte occidental y también del precolombino (el gusto por la pintura mural, sin ir más lejos) (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Quizás la figura más importante del barroco flamenco, Pedro Pablo Rubens fue uno de los mejores pintores de Europa en su época y por ello fue reconocido en vida. Además fue uno de los primeros artistas en entender el mercado del arte, y creó una especie de factoría en su taller que fabricaba pinturas en cadena.
También ejerció de diplomático en diversas cortes europeas, incluida España, que encargó muchos de sus mejores cuadros. Rubens (o su taller) pintó más de 3000 obras.
Nacido en Amberes, en esa época la ciudad era un hervidero económico, y por lo tanto artístico. Se invertía en cultura, y particularmente en arte, sobre todo en pintura flamenca, que todavía gozaba de muy buena salud. Pero también eran tiempos de convulsiones políticas y religiosas, pues no todos aceptaban ser súbditos de la católica España.
Pero quizás a causa del enfoque artístico no iconoclasta de los católicos (los calvinistas eran mucho más cerrados), numerosos artistas flamencos pudieron trabajar y encontrar mercados entre la monarquía y la aristocracia española. De ahí que abunden los temas religiosos e históricos, y muchísimos retratos. Bajo este cobijo fue ascendiendo puestos el talentoso, ambicioso y muy católico Rubens.(Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
David Alfaro Siqueiros fue uno de «los tres grandes del muralismo mexicano» junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco. Siqueiros optó por un Expresionismo neorrepresentativo o neoicónico y lo cargó de mensaje político y social. Su arte era esquemático, y a la vez muy colorido y dinámico.
De joven Siqueiros ya era todo un contestatario, lo que le valió algún que otro azote y pelea. Era marxista perdido. Pero le gustaba sobre todo la pintura, así que se metió en Bellas Artes. También fue militar en ese convulso México de principios del XX con gentes como Zapata, Pancho Villa, Porfirio Díaz, Carranza… Entre arte y política transitaba Siqueiros, y a menudo una cosa alimentaba a la otra y viceversa.
En los años 30 viaja a los Estados Unidos y le da clases a algunos estudiantes estadounidenses (Pollock, por ejemplo, andaba por ahí) (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Se trata de una de las obras más importantes y conocidas de Tiziano. Para este encargo, que recibió del fraile Germano, el superior del convento de los Frari por aquella época, el artista debió tener muy en cuenta la percepción de la pintura desde el marco arquitectónico en la cual iría emplazada. Mediante la gama cromática que escoge, Tiziano logra que la obra tenga luz propia. En toda la amplia producción del artista, no hay ninguna pintura como esta, es única.
La Ascensión de la Virgen es un tema religioso muy habitual en representaciones artísticas, tema que busca emocionar, complacer al espectador. A diferencia de la otra escuela pictórica del momento, la toscana, siempre con una connotación más intelectual, en la que predomina el dibujo, y el color quedará en segundo plano, Tiziano demuestra ser el mayor exponente de la pintura veneciana, caracterizada por la capacidad de fascinar, una llamada directa a cautivar los sentidos (Laura Cabrera Guerrero, CC BY 4.0).
Con sus pinceladas vigorosas, Van Gogh capta un paisaje exterior y uno interior. El cielo en espiral parece moverse de verdad en el lienzo. Las estrellas tienen su propio halo, que el pintor exagera para expresar más (y adelantándose unas décadas al expresionismo). La ciudad en cambio está quieta, estable, realizada con trazos rectos y breves, en contraste con esas curvas frenéticas del cielo.
El pintor post-impresionista dijo: “Quiero llegar al punto en que la gente diga de mi trabajo: ‘Este hombre siente profundamente’”, a lo que nosotros añadimos: “y hace que los demás sintamos profundamente…”. (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Pintor de pintores» (según Manet), maestro indiscutible del arte universal, genio del barroco sevillano, «el más grande pintor que jamás ha existido» (dice Dalí)….
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez es quizás el mejor pintor español de la historia. Su obra fue ampliamente estudiada por maestros de épocas posteriores e influiría en artistas tan dispares como los anteriormente citados Dalí o Manet. Atraído por la nueva iluminación tenebrista de Caravaggio fue uno de los introductores del estilo en España y por su evidente talento se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en la que fue la época más esplendorosa de la cultura española (el siglo de oro). (Miguel Calvo Santos, CC BY 4.0).
Los artistas de toda la historia siempre se han mostrado en continua comunicación con el mundo. El arte es la única forma que tienen de ver la vida. Gracias a sus obras conocemos cómo eran, qué expresaban y cómo se sentían en cada momento.
Pero ¿qué ocurre si a un artista le cortamos las alas para poder volar con completa libertad en el mundo de la imaginación…?
Esto le sucedió al pintor William Utermohlen en 1995. Le diagnosticaron Alzheimer, comenzando así un duro trance para su carrera. Esta enfermedad provocó en el artista dificultades para visualizar un objeto o idea, para asimilarlos y posteriormente representarlos en un lienzo. Desde entonces, su forma de pintar fue evolucionando con el paso de los años. Por ello, para entender cómo el Alzheimer se iba apoderando de su persona, Utermohlen decidió crear cada año un autorretrato, cosa que ya hizo en 1967.
De este modo y gracias a esta serie realizada entre 1996 y el año 2000, podemos palpar con la mirada la viva imagen de la demencia
recorriendo el cerebro de William Utermohlen. Desde el primer autorretrato, las obras van perdiendo realismo, emoción, detallismo y complejidad polícroma, hasta que prácticamente se muestra un simple garabato que insinúa representar un rostro.
La evolución de la pintura era algo más que evidente, como por ejemplo el cambio del tipo de trazo, la perspectiva, la proporción, la disminución de colores y las inclinaciones de la mirada. Sin embargo, los médicos encargados de tratar al artista no llegaron a una conclusión en cuanto a confirmar si la pérdida de talento se debía a la pérdida de habilidades físicas o de la pérdida del control sobre el psique del Alzheimer.
La pintura de 1996 refleja el genio con el que el artista empezó a luchar contra la demencia. En la segunda obra, en 1997, se representa confundido con el trance que vive. Tras esto, en 1998 muestra la tristeza al no poder controlar su propia vida. Luego, en 1999 y 2000, ya vemos como Utermohlen cae en la desolación. En general, en toda la serie se comunica al exterior revelando el caos en el que vive día tras día.
Más tarde, tras el paso del tiempo, el caso de William Utermohlen ha sido observado por médicos, psiquiatras e historiadores del arte. Todos ellos han sacado la misma conclusión: un deterioro progresivo en las sensaciones, incomunicación, pérdida de funcionamiento cognitivo y una atrofia generalizada en su cerebro. Se entiende que esta serie de pinturas, revela la interesante relación entre el arte y la demencia en un artista, enseñándonos como es el día a día de una persona que sufre esta enfermedad.
Finalmente, pasarán los años y nos seguiremos emocionando al poder ser testigos de lo que una enfermedad de estas características llega a producir en alguien. El Alzheimer se muestra ante cada uno
de los que lo sufren como una cruel dictadora que se hace contigo y te rompe el alma. Por ello, William Utermohlen ha sido único en el mundo, luchando contra viento y marea teniendo siempre presente la nostalgia de poder volar con completa libertad en el mundo del arte.
Wain nació en Clerkenwell, Londres. En 1881 vendió su primer dibujo y al año siguiente renunció a su puesto de profesor en la West London School of Art para convertirse en ilustrador. Se casó en 1884, enviudando tres años después.
Wain produjo cientos de dibujos y pinturas al año para publicaciones periódicas y libros, incluido el Anuario de Louis Wain, que se publicó entre 1901 y 1921. Su obra también apareció en postales y anuncios publicitarios, y realizó breves incursiones en la cerámica y los dibujos animados. A pesar de su popularidad y su prolífica producción, Wain no se hizo rico, posiblemente porque vendió su obra a bajo precio y renunció a los derechos de autor, y también porque mantuvo a su madre y a sus cinco hermanas.
Wain es conocido por sus dibujos, en los cuales constantemente representó gatos. Se dice que en sus últimos años pudo haber sufrido de esquizofrenia, lo que, según algunos psiquiatras, se puede ver en sus obras (Wikimedia).
El diseño de vestuario en Black Panther (2018) es una fusión de estética futurista con influencias culturales africanas tradicionales. Ruth E. Carter, la diseñadora de vestuario, se inspiró en diversas etnias y culturas del continente africano para crear una identidad visual única para Wakanda.
Se incorporaron tejidos, patrones y colores basados en culturas como los maasai, ndebele, zulu y tuareg. Uso de estampados bogolán (Malí) y perlas decorativas como las de los maasai. La ropa de los wakandianos mezcla tejidos tradicionales con materiales de alta tecnología, reflejando el avance de Wakanda. Las guerreras de Wakanda visten armaduras de cuero y metal con influencias de los guerreros maasai, usando collares Ndebele y brazaletes dorados (ChatGPT).
Quetzalcóatl puede asociarse al arte cinético, aunque no de manera tradicional, sino a través de la interpretación de su movimiento y simbolismo.
La imagen de Quetzalcóatl como serpiente emplumada sugiere dinamismo y fluidez, características clave del arte cinético. En los relieves y murales mesoamericanos, se le representa con un cuerpo serpenteante en posturas que evocan el movimiento continuo.
La Pirámide de Kukulkán en Chichén Itzá es un ejemplo impresionante de arte cinético primitivo: durante los equinoccios, la luz del sol proyecta sombras sobre la escalera del templo, creando la ilusión de una serpiente descendiendo (ChatGPT).
El arte barroco pixelado representa una interesante fusión entre el estilo artístico del siglo XVII y la estética digital contemporánea. Esta combinación crea un diálogo visual entre dos períodos artísticos separados por siglos de evolución tecnológica y cultural.
El arte barroco pixelado incorpora representaciones de obras barrocas clásicas transformadas mediante pixelación digital, conservando elementos como el dramatismo y el claroscuros. Varios artistas digitales contemporáneos han experimentado con esta fusión. Creadores como Octavi Navarro, Adam Christianson y Gustavo Viselner han incorporado elementos del dramatismo barroco en sus creaciones pixeladas, aunque no se dedican exclusivamente a recrear el barroco (Claude 3.7 Sonnet).
Sfhir es un artista urbano español reconocido por su estilo hiperrealista y su capacidad para combinar técnicas tradicionales con innovaciones digitales en el arte del graffiti y el muralismo. Su trabajo destaca por el nivel de detalle, los efectos de luz y la fusión de elementos surrealistas con una estética urbana contemporánea.
Sfhir ha trabajado en murales de gran escala en ciudades de España y otros países, convirtiéndose en un referente del arte urbano contemporáneo. Sus intervenciones han sido destacadas en festivales de street art y graffiti alrededor del mundo. Sfhir representa la evolución del arte urbano hacia un nivel técnico impresionante, fusionando lo tradicional con lo digital para crear murales impactantes y memorables (ChatGPT).
Aunque Picasso no fue el artista más directamente influenciado por el ukiyo-e, hay elementos en su obra que reflejan esta influencia.
El ukiyo-e, especialmente en artistas como Hokusai y Utamaro, enfatiza líneas fluidas y contornos bien definidos. Picasso, en su fase de dibujos y grabados, utilizó líneas simples y expresivas, algo que puede haber sido inspirado por esta estética. Picasso, especialmente en el cubismo, experimentó con la perspectiva y rompió con la idea tradicional del espacio.
Los grabados ukiyo-e retratan escenas de la vida cotidiana, actores de kabuki y cortesanas con una estilización particular. Picasso también se interesó en lo cotidiano y en la representación estilizada de figuras humanas, especialmente en su Período Azul y Período Rosa (ChatGPT).
El Jinete Azul es el nombre que dieron Wassily Kandinsky y Franz Marc a sus actividades expositivas y editoriales, en las que ambos artistas actuaron como editores exclusivos del almanaque del mismo nombre, publicado por primera vez a mediados de mayo de 1912
Algunos expresionistas alemanes del grupo Die Brücke (El Puente) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) incorporaron elementos naif en su obra, valorando la simplicidad, espontaneidad y el arte no académico como fuente de inspiración.
Gabriele Münter (1877-1962), miembro de Der Blaue Reiter, desarrolló un estilo que combinaba el expresionismo con elementos naif, utilizando contornos definidos, colores planos y simplificación formal en sus paisajes bávaros (Claude 3.7 Sonnet).
Kris Kuksi es un excelente ejemplo de un artista con- temporáneo cuya obra combina elementos expresionistas con una estética steampunk. Kuksi crea esculturas y ensamblajes intrincados y monumentales que fusionan elementos victorianos, barrocos y steampunk con una carga emocional y dramatismo que conecta con el expresionismo.
Sus piezas presentan máquinas complejas con estética retro-futurista típica del steampunk y una sensación de caos controlado y turbulencia emocional característica del expresionismo. Sus obras como "Churchtank" y "The Imminent Utopia" ejemplifican esta fusión de estilos. La obra de Kuksi podría describirse como "expresionismo apocalíptico steampunk" (Claude 3.7 Sonnet).
La novela Clockwork o All Wound Up, combina varios estilos artísticos y literarios que influyen en su tono y estructura.
Estilo Gótico. La historia tiene una atmósfera oscura y sombría, típica del gótico europeo. Elementos como la presencia de autómatas, relojes y un destino ineludible recuerdan a la estética de los cuentos de terror góticos. El personaje del Doctor Kalmenius tiene un aire siniestro, evocando a figuras clásicas del terror gótico.
Steampunk. La presencia de tecnología avanzada para su época, como autómatas y mecanismos complejos, tiene ciertos rasgos de este subgénero. La fascinación por la relojería y el cruce entre la mecánica y la magia son elementos del steampunk (ChatGPT).
La fusión entre el gótico y el vaporwave crea una estética única que combina la oscuridad y dramatismo gótico con los colores neón, glitches digitales y nostalgia retro-futurista del vaporwave. Esta hibridación, a veces llamada "Gothwave" o "Dark Vaporwave", se manifiesta en diversos medios artísticos:
En artes visuales: Mezcla iconografía gótica con distorsiones digitales y paletas de color vaporwave en sus ilustraciones digitales.
En diseño gráfico: combinan estatuas clásicas y arquitectura gótica con efectos de distorsión digital y paletas vaporwave.
En moda: combina elementos de moda gótica con materiales reflectantes y colores neón del vaporwave (Claude 3.7 Sonnet).
Esta fusión es como fusionar el odio y el amor o un sí con un no, quizá es posible combinar elementos del minimalismo y el rococó en la arquitectura y el diseño, pero sería difícil integrar completamente los dos estilos de una manera cohesiva y armoniosa.
El minimalismo se caracteriza por la simplicidad, la funcionalidad y la ausencia de ornamentación, mientras que el rococó es todo lo contrario, conocido por su opulencia, su decoración recargada y sus elaborados elementos de diseño; opuestos tanto en estética como en intención filosófica. Estos estilos suelen verse como un rechazo mutuo, ya que el minimalismo busca eliminar elementos innecesarios y centrarse en lo esencial, mientras que el rococó celebra el exceso y la decoración: cuanta más, mejor (Bob deWitt).
El estilo minimalista vintage se caracteriza por su capacidad para combinar la simplicidad del minimalismo moderno con la elegancia y el encanto nostálgico del diseño vintage. En lugar de abrumar los espacios con decoración excesiva, este enfoque busca resaltar la belleza de las líneas limpias y los detalles cuidadosamente seleccionados. Se trata de crear un equilibrio armonioso entre la riqueza histórica del estilo vintage y la estética despejada del minimalismo contemporáneo.
Es crucial adherirse a los principios fundamentales del minimalismo, como la simplicidad, la funcionalidad y la eliminación de todo aquello que sea innecesario. Se trata de preservar la autenticidad y el encanto del diseño vintage mientras se simplifica para adaptarse a las necesidades y gustos (Cesantoni).
Blade Runner 2049 (2017) es una película visualmente impresionante que fusiona múltiples estilos artísticos, creando una estética única que refuerza su atmósfera distópica.
Ciberpunk. El más evidente. Es un subgénero de la ciencia ficción que representa sociedades futuristas con alta tecnología y un entorno decadente (megaciudades densas, neón, hologramas, decadencia urbana y corporaciones todopoderosas).
Impresionismo Luminoso. Influencia de la pintura impresionista en el uso de la luz. Las escenas con el personaje de Joi, donde la luz suave y etérea crea un contraste con el mundo frío y mecánico. Roger Deakins (director de fotografía) usa la iluminación para crear sensaciones en lugar de solo iluminar (ChatGPT).
La fusión del arte renacentista con el estilo de fantasía ha sido explorada por varios artistas, tanto en la pintura tradicional como en la ilustración contemporánea. Esta combi- nación mezcla la precisión anatómica, la perspectiva y la iluminación del Renacimiento con elementos fantásticos como criaturas míticas, mundos irreales y simbolismo esotérico.
William-Adolphe Bouguereau. Aunque fue un pintor academicista, su uso de la mitología y el dramatismo lo acerca a la fantasía épica con una ejecución renacentista. En sus pinturas utilizó temas mitológicos, haciendo interpretaciones modernas de temas clásicos, con énfasis en el cuerpo humano femenino. A lo largo de su vida, gozó de gran popularidad en Francia y Estados Unidos, recibió numerosas distinciones oficiales y obtuvo elevados precios por sus obras (ChatGPT y Wikipedia).
La fusión entre el Pop Art y el arte tribal ha producido expresiones artísticas fasci- nantes que combinan elementos populares contem- poráneos con símbolos, patrones y técnicas ancestrales.
Jean-Michel Basquiat: Quizás el ejemplo más emblemático de esta fusión. Su obra combina elementos gráficos del grafiti urbano y el Pop Art con símbolos, máscaras y figuras inspiradas en el arte africano y caribeño.
Keith Haring: Aunque principalmente asociado con el Pop Art, Haring incorporó patrones repetitivos y figuras estilizadas reminiscentes de arte tribal en muchas de sus obras, creando un lenguaje visual único que combinaba lo contemporáneo con lo primitivo (Claude 3.7 Sonnet).
El juego Kentucky Route Zero combina varios estilos artísticos que lo hacen visualmente único y evocador. Algunos de los más destacados son:
Estética Low-Poly y Minimalista. El juego utiliza un diseño low-poly (baja cantidad de polígonos), con formas geométricas simples y colores planos. No busca el hiperrealismo, sino una representación estilizada y abstracta del mundo.
Ambientes y Escenarios Oníricos. Los paisajes del juego parecen inspirados en sueños o recuerdos distorsionados. Lugares como la Ruta Zero, una carretera subterránea mística, desafían la lógica del mundo real y recuerdan el trabajo de artistas surrealistas como Giorgio de Chirico o René Magritte (ChatGPT).
En esta obra maestra pintada en 1955, Dalí combina diversos estilos artísticos de manera magistral:
Surrealismo y arte abstracto. El elemento más evidente es el surrealismo, movimiento del que Dalí fue figura clave. Se aprecia en la composición onírica y la atmósfera de ensueño, el gigantesco poliedro transparente (dodecaedro) que enmarca la escena.
Clasicismo renacentista. Dalí incorpora elementos del Renacimiento italiano, como la perspectiva matemática perfectamente calculada.
Fantasía. La obra está llena de elementos fantásticos, como la representación de Cristo o Dios como una figura parcialmente visible y etérea (Claude 3.7).
Imagen derecha
(representación con Ideogram).
La riqueza visual de Blade Runner incorpora importantes estilos como:
Arte gótico. Arquitectura de la Corporación Tyrell con elementos reminiscentes de catedrales góticas, interiores oscuros con iluminación teatral similar a vitrales.
Cubismo. Fragmentación visual del espacio urbano, yuxtaposición de perspectivas y planos, representaciones geométricas en algunos elementos de diseño.
Ciencia ficción clásica. Naves espaciales y vehículos voladores (spinners). Elementos de colonización espacial, inteligencia artificial avanzada (replicantes), implantes oculares y clima modificado artificialmente (lluvia constante) (Claude 3.7).
Imagen derecha, ilustración de W Key.
Silvia Pelissero es una artista italiana de retratos en acuarela con un estilo algo abstracto , más conocida como Agnes Cecile, cuyo trabajo incorpora varios estilos distintivos:
Surrealismo contemporáneo. Figuras humanas en estados emocionales intensos o transformaciones.
Minimalismo emotivo. Espacios negativos abundantes, com- posiciones que destacan elementos específicos mediante la ausencia, uso estratégico del espacio en blanco para intensificar el impacto emocional(Claude 3.7).
Su uso de la acuarela se caracteriza por la fluidez controlada, al manipular la dilución del pigmento para crear efectos que van desde transparencias sutiles hasta intensos puntos de color.
Técnica de goteo y salpicadura, al incorporar elementos de action painting aplicados a la acuarela, creando salpicaduras y chorreos controlados que añaden dinamismo.
Imagen derecha tomada de Amino - Wiki art.
